르네상스의 역할이 다른 시대의 중요성보다 더 두드러진 이유는 무엇입니까? 르네상스의 개념은 상당히 생명이 좋았 기 때문에 사람이 많은 능력을 가지고 있다는 믿음을 발산했습니다. 그리고이 시대의 지도자들은 그들의 생각과 작품으로 그러한 생각의 진실성을 입증했습니다. 르네상스는 교과서 나 박물관에 머물지 않았으며 많은 사람들에게 영감을주고 계속해서 영감을주었습니다. 아이디어는 변화, 보완 또는 재고 할 수 있지만 사람에게는 유쾌 할뿐만 아니라 그의 활동이 쓸모 없다고 생각하는 것도 중요합니다.

르네상스의 작품은 유명한 아티스트의 앨범 (예 : Lady Gaga- "Artpop")뿐만 아니라 인쇄물로도 볼 수 있습니다. 종종 티셔츠에 부드러운 비너스 보티첼리와 모나리자 레오나르도 다빈치, 그리고 사용되지 않은 곳을 볼 수 있습니다. 따라서 르네상스는 생각보다 가까이에 있으며, 자신을 교육받은 사람으로 생각하는 사람들은 그 당시의 작품과 인물의 중요한 원칙, 기본 징후 및 특성을 알아야합니다. 그리고이 기사는 모든 것이 간단하고 접근 가능하게 설명되어 있습니다.

개념과주기

유럽 ​​문화에 대한 르네상스의 중요성은 과학에서시에 이르기까지 모든 분야의 발전을 결정하기에 너무나 큽니다. 그것은 중세와 계몽 사이의 전환이되었지만,이시기에 만들어진 창조물들은 르네상스를 정말로 특별하게 만듭니다. 이 용어는 "Renaissance"라는 이름을 포함하여 이탈리아 인들이 만든 것으로 "Reborn"이라는 의미로 이탈리아에서 시작되었습니다. 르네상스의 부상은 실제로 새로운 세계의 탄생이되었습니다. 부동산의 영향력이 커짐에 따라 중세에 의해 만들어진 종교적이고 금욕적인 문화에 익숙하지 않은 사람들이 생깁니다. 그러므로 성격이 우주의 중심으로 선포되는 새로운 문화가 건설되고 있습니다. 고대의 미학과 이데올로기를 샘플로 취했습니다. 발명 된 타이포그래피 덕분에 유럽 전역에 퍼졌습니다.

르네상스는 XIV 세기부터 XIV 세기 말까지 지속되었습니다. 개발 단계는 다음과 같습니다.

1. 프로토스 르네상스 (초기 르네상스)-14 세기에서 15 세기 초까지;
2. 높은 르네상스 (XV 세기 후반에서 XVI 세기 상반기까지 시간이 지남에 따라 가장 높은 전성기);
3. 늦은 (북부) 르네상스 -XVI 세기 말과 일부 국가에서 XVII 세기의 시작부터. 바로크 시대가 이탈리아에서 시작되었을 때, 다른 국가들은 과잉 열매를 이해했습니다.

그러나 늦은 르네상스는 더욱 우울 해지고 있습니다. 재난과 전투가 계속되고 사람이 무언가의 중심이라는 순진한 주장에 의문을 제기하기 때문에 아이디어의 위기는 불가피하게 발생합니다. 바로크 시대를 상징하는 중세 세계관의 신비주의.

주요 특징

르네상스의 일반적인 특징은 사람에 대한 관심이 그의 능력의 숭배로 높아지고 미학과 철학 분야에서 고대 문화의 부흥이 있다는 것입니다. 고대는 고전적으로 인식되어 활발히 연구되고 재창조됩니다. 세상의 물질적 인 이미지가 나타나고 사람들은 개인의 마음을 찬양합니다. 르네상스에서의 개성과 개인적인 책임은 교회 구조, 종교 전체를 다르게 보는 이유를 제시합니다. 자유로운 비판은 경전을 준수하면서 종교 생활에 대한 공격을 일으 킵니다. 덕분에 종교 개혁의 시대가 열리고 가톨릭 교회가 개혁되고 있습니다. 르네상스 시대가 이탈리아에서 유래 한 것은 그러한 감정과 경제적 이유 덕분입니다.

르네상스의 주요 징후는 무엇입니까?

1. 위에서 말했듯이 교회의 그립은 느슨해집니다. 종교적 금욕주의가 비판되고, 극장이 나타나고, 카니발, 휴일, 즐거움이 허용됩니다.
2. 하나님으로부터의 관심은 이제 그의 창조물 (민 중심)으로 재지향된다.
3. 제작자의 상태는 신뢰성을 얻습니다. 사람들은 더 이상 그들의 일에 서명하기를 부끄러워하지 않으며 하나님 께서 그들의 손으로 그들을 인도 하신다는 것을 믿지 않습니다.
4. 인본주의의 철학은 확산되고 있습니다.
5. 하느님과 같은 사람이라는 생각이 생깁니다.

유럽 ​​문명의 근원은 중세가 아니라 고대로 거슬러 올라갑니다. 다음으로 르네상스의 모든 측면과 그 성과가 유럽 문화에 정확히 어떤 영향을 미쳤는지 살펴 보겠습니다.

철학

르네상스 철학은 공통된 아이디어로 통합 된 수많은 철학적 학교입니다. 신 중심주의의 거부는 사람들이 자신의 능력에 집중하도록하여 인본주의 시대를 선포한다.

르네상스의 아이디어는 사상가들이 지식을 습득했을뿐만 아니라 그것을 처리 한 고대 문화로 바뀌었다. 그 시대의 다음 원리와 가치는 이것으로부터 형성되었습니다.

1. 인위 중심;
2. 창조적 표현에 대한 인권, 자유가 인정됩니다. 크리에이터 맨;
3. 세상의 모든 것은 사람을 통해 이해됩니다.
4. 미학은 과학과 도덕보다 신체의 숭배보다 중요합니다.

르네상스의 철학적 방향과 아이디어를 더 자세히 고려하십시오.

인문주의

유럽 ​​위도에서, 인본주의는 XIV-XV 세기 중반에 퍼졌습니다. 이 철학적 경향은 반-임계 적 초점을 가졌다. 이제부터 사상가들은 성격의 창조가 하나님의 자비에서 나온 것이 아니라 사람들의 노력의 결과가된다는 것을 증명합니다. 사람은 활동적이고 창조적 인 활동, 개성과 자유의 실현에 대한 권리가 있습니다.

인본주의의 철학은 문학으로 나뉘어 유명한 르네상스 인본주의 자들이 펜을 사용했습니다. "에서 또 다른 위대한 단테 알리기 에리신의 코미디"기독교와 반문가 통역의 광신적 오류에 대해서는 이미 아이러니하다. 단테는 인류의 미덕을 믿습니다. 하나님의 뜻의 질이 아니라 사람의 의식적인 결정의 순서입니다. 그러나 최초의 인본주의자는 이탈리아 시인으로 간주됩니다 프란체스코 페트라 치. 그의시에서 그는 하나님의 뜻없이 성취 할 수있는 사랑과 세상의 기쁨의 이상을 전파했습니다. 그는 신심에 대한 내세의 보상을 의심하지만 영혼의 불멸을 달성하는 방법을 알고있다. 어떻게합니까? 지금 여기에서만 일어나기 때문에 창의적이고 활동적인 활동에 참여하십시오. 다른 기회는 없습니다.

르네상스 사상가 (Petrarch, Boccaccio, Lorenzo Valla 등)는 아직 밝혀지지 않은 사람의 정신적, 신체적 잠재력에 대한 열정적 인 믿음을 고백했습니다. 그러므로 인본주의 철학은 생명을 확고히하는 성격을 가지고 있습니다. 르네상스 시대에 인본주의는 완전한 견해 체계를 습득하여 새로운 사람들의 문화와 세계관에 진정한 혁명을 일으켰습니다.

인간 중심주의

철학적 사고로서의 인간 중심주의는 인본주의의 특징이되었습니다. 그것은 그리스어 단어 "άνθροπος"-사람과 "중심"에서 유래 한 것으로 이미 단어의 어원에 의해 그 의미를 추측 할 수 있습니다. 말 그대로, 이것은 우주 중심에 사람을 두는 것입니다. 그는 더 이상 특정 사회 집단의 소유자로서 죄 많고 불완전한 존재로 간주되지 않습니다. 그는 개성, 독특하고 독특한 성격입니다. 인간의 신적인 본성에 중점을두고 있으며, 이는 창의력, 창조력에 대한 그의 능력으로 표현됩니다.

몸과 자연의 모든 것에 대한 미학적 관심은 고대 문화에서 채택됩니다. 그들은 정신뿐만 아니라 인간의 몸에도 감탄하며 이러한 원리의 통일성을 확대합니다.

이탈리아 철학자 톰 마소 캄파넬라는 그의 논문에서 신체적 아름다움은 하나님의 선물이며, 신체적 불완전 성은 다른 사람들에게 그들이 악한 사람이라는 경고라고 썼다. 르네상스의 성격은 윤리적 고려 사항보다 미적인 출발을합니다.

우주의 중심 인 인간은 아름답고 세상을 즐기기 위해 창조되었습니다. 그러나 그는 유쾌한 기쁨이 아닌 창조적 인 활동으로 인생을 보내야합니다. 따라서 인류 중심주의는 전능 한 암석 앞에서 사람들의 무례주의, 수동성 및 무력의 중세 윤리를 파괴합니다.

자연 철학

르네상스 사상가들은 다시 자연에 대한 연구로 돌아 서서 중세의 이해를 비 지속적인 영역으로 수정했습니다.

철학의 특징은 다음과 같습니다.

1. 자연 철학자들은 경험이 아니라 성찰을 통해 자연 연구에 접근했다.
2. 철학을 신학과 분리하려는 욕구;
3. 세상은 신의 계시가 아니라 이성과 감정을 통해 알 수 있습니다.
4. 자연의 인식은 신비주의와 결합됩니다.

자연 철학의 대표자들은 다양한 개념을 개발했습니다. 예를 들어, 철학자 Francesco Patrici는 세계의 교리를 애니메이션 무한대로 개발했습니다. 그리고 신비한 Jacob Boehme은 자연이 인간의 멘토 인 복잡한 우주 시스템을 개발했습니다.

자연 철학자들은 자연계의 뛰어난 탐험가 인 전설적인 독일 의사 인 파라 셀 수스와 합류했습니다.

Paracelsus는 인간을 작은 세계로 간주하여 모든 자연을 자신 안에 담았습니다. 그의 견해로는, 인간 지식에 대한 금지가 없으며, 우리는 모든 본질과 본질뿐만 아니라 세계 밖에있는 것을 연구 할 수 있습니다. 지식의 특이한 특성이 혼동되어서는 안되며, 연구 과정에서 사람을 멈추게하십시오.

인간과 자연은 여전히 ​​조화를 이루고 있습니다. 그러나 인간 능력의 확장은 자연의 연구와 제출을 수반합니다.

만유신론

범신론의 철학적 교리는 신성 세력과 그들이 만든 것으로 식별합니다. 범신론의 창시자는 헛된 일주일을 보냈다. 그는 세상을 창조하지 않았다. 왜냐하면 그는 자신이 모든 생명체와 동등한 세계의 일부이기 때문이다. 고대 문화 유산과 자연 철학을 바탕으로 범신론 자들은 세계와 우주의 애니메이션을 인식하면서 자연 과학에 관심을 기울였다. 이 가르침에는 완전히 다른 두 가지 방향이 있습니다.

1. 이상주의 (자연은 신의 능력을 나타냄)

2. 자연주의 (하나님은 자연 법칙의 전체 일뿐입니다).

즉, 첫 번째 방향으로 우주가 하나님 안에 있다면, 두 번째 방향으로 하나님이 우주에 있습니다.

철학자 니콜라이 쿠잔 스키 (Nikolai Kuzansky)는 신이 세상을 자신에게서 드러내고 아무것도 만들어 내지 않는다고 믿었습니다. 그리고 지오다노 브루노는 하나님은 모든 것이 아니라 관련 법의 형태라고 믿었습니다.

갈릴레오 갈릴레이 (Galileo Galilei)는 자연을 계속 연구했습니다 (고대 철학을 연구하여 세계의 단결에 대해 생각하게했습니다). 개방형 태양계의 리더가 아닙니다).

범신론은 르네상스에 대한 많은 철학적 이론의 특징이었으며 자연 철학과 신학 사이의 통일 된 연결 고리가 된 사람은 바로 신학자였습니다.

문화와 예술

중세의 어두운 사상에서 르네상스의 자유로의 전환은 강요되지 않았습니다. 교회의 우위는 사람들의 마음에 보존되었고, 회화와시는 즉시 이루어지지 않았으며, 창의성 자체는 좋은 평판을 얻었습니다. 또한, 문맹률이 인구들 사이에서 우세했다. 그러나 르네상스의 지시는 점차 교육이 중요하고 창조적 인 성격이 그들의 마음과 재능으로 보편적 인 인정을 얻으려고 노력했던 새로운 문화의 토대를 마련했습니다.

예를 들어, 이탈리아 작가 보카치오는 진정한 시인이 문법, 역사, 지리, 예술, 심지어 고고학까지 광범위한 지식을 가져야한다고 믿었습니다.

분명히 제작자들은 이상을 모방하려고 노력했으며, 또한 그 이상을 육성했습니다. 르네상스의 이러한 특징들은 조각과 그림으로 구체화 된 창조적이고 보편적 인 신과 같은 인간의 이미지를 불러 일으켰다. 르네상스의 정신이 가장 잘 드러난 것은 예술 분야였습니다.

페인트 등

세계의 새로운 그림은 예술을 자신의 유일한 창조적 표현으로 이탈리아에서 1 위에 놓았습니다. 그림, 조각, 건축은 모든 교육을받은 사람이 알고있는 훌륭한 마스터이자 작품입니다. 르네상스 기술은 여러 단계로 나뉘며 각 단계마다 흥미로운 특징이 있습니다.

예를 들어, 원시 르네상스 (XIV-초기 XV 세기)는 중세 시대에서 과도기 시대가되었습니다. 위대한 화가 인 지오토 (Giotto), 모작 치오 (Mozaccio)는 종교적인 주제에 의존하지만 감정, 사람들의 삶의 경험에 중점을 둡니다. 영웅들은 인간화되고 성도들의 후광은 보티첼리의 그림 "성모 영보 대축일"또는 라파엘 "시스틴 마돈나"에서와 같이 그림에서 더 투명하고 눈에 띄지 않게됩니다.

이 시대의 예술가들은 세계의 물질적 이미지를 찾았습니다. 그들은 합리적인 화가 였고 르네상스의 그림은 기하학, 황금비의 사용으로 구별됩니다. 마스터는 묘사 된 사물과 현상의 범위를 확장 할 수있는 관점을 묘사했습니다. 예를 들어, 그림은 기념비가되었다. 예를 들어, 미켈란젤로의 시스 티나 예배당 그림은 고 르네상스 시대 (XV의 후반-XVI 세기 전반)에 만들어졌다. 방대하고 초월하다 주기를 나타내는 프레임 워크 벽화는 3 년 만에 만들어졌습니다. 음모 가운데서, 르네상스에 중요한 아담의 창조의 이미지를 볼 수 있는데, 여기서 하나님은 사람을 만지시 고 그의 영혼을 그의 몸으로 가져 오려고합니다. 미켈란젤로의 또 다른 중요한 작품은 다윗의 조각품입니다. 사람, 몸의 숭배를 선언합니다. 자랑스럽고 자신감 있고 육체적으로 발달했습니다-고대 조각품에 대한 명확한 curtsy. 주인이 사람의 본질을 포즈, 제스처, 자세로 붙 잡았습니다. 이 시대의 인물 사진은 또한 자부심이 강하고 능력을 이해하는 특별한 종류의 얼굴로 구별되었습니다.

오랫동안 예술은 ​​르네상스 예술가들이 만든 원칙에 기초하여 발전했습니다. 오늘날 르네상스 예술은 그 매력을 잃지 않았습니다.이 시대에 만들어진 많은 이미지는 어디에서나 볼 수 있습니다. 예를 들어, 화장품 회사 인 Lime Crime은 그림자 팔레트를 Botticelli의“Birth of Venus”에 바쳤습니다. 화장품 제작자는 각 색상에 주제 이름 (예 : "쉘", "뮤즈")을 할당했습니다. 물론 그러한 제품의 인기는 르네상스 시대에 만들어진 걸작의 불멸을 나타냅니다.

문학

르네상스의 인본주의 세계관 또한 문학에 영향을 미쳤다. 전경에는 중세의 영향으로부터 해방 된 사람이 있습니다. 이탈리아에서 문학을 발전시키는 데 중요한 역할은 고대 문화 유산의 보존에 의해 수행되었습니다. 거기서부터 인류의 모범 인 인간의 이상이라는 개념이 취해진 다. 르네상스 작품은 특징적인 특징을 가지고 있습니다. 예를 들어 이미지의 주요 주제는 강한 성격, 삶과 모순입니다. 자연에 대한 태도도 바뀌 었습니다. 그들은 그것을 존경하기 시작했습니다.

Giovanni Boccaccio "The Decameron"의 단편 소설 모음의 예에서 르네상스 문학을 보여주는 가장 쉬운 방법. 컬렉션의 첫 번째 짧은 이야기는 주요 연결 이야기입니다. 7 명의 소녀와 3 명의 소년이 성의 전염병에서 숨어 있습니다. 그들은 서로 노래하고 춤을 추며 다양한 이야기를합니다. 이 살아있는 젊은이들은 새로운 르네상스 사람의 의인화이며 전염병은 중세 시대의 족쇄입니다. 이야기의 주요 주제는 다릅니다 : 사랑, 교회 반대, 모험, 유익한. 독자는 처음으로 학생, 신랑, 목수 등 사람들의 영웅을 볼 수 있습니다. 그러나 동시에 저자는 추악한 영웅들을 비난하고 신체의 단점을 비웃습니다. 보카치오는 삶을 그대로 보여 주어 약간의 경박함을 허용합니다.그러므로 교회 관리들은이 책을 싫어했으며 심지어 광장에서 공개적으로 불태 웠습니다. 그러나 그러한 박해조차도 보카치오 컬렉션의 인기를 죽일 수 없었습니다. 왜냐하면 사람들의 세계관이 선호도를 변경했기 때문입니다.

여기서 우리는 르네상스의 선구자가 된 책의 또 다른 예인“Gargantua and Pantagruel”을 자세히 설명했습니다.

건축물

고대의 영향은 르네상스 건축에 영향을 미칩니다. 형태의 표현은 특히 가시적입니다 : 대칭, 기하학, 비율. 순서대로 정렬 된 기둥, 비대칭 윤곽선은 아치, 돔, 반구로 대체됩니다. 석사는 고전 규범을 연구했지만 현대 작업을 수행하기 위해 재창조했습니다.

건설 장비, 재료, 건축 용어에 변화가 적극적으로 나타납니다. 그림에서와 같이 건축가는 익명으로 만드는 것을 멈추고 신은 더 이상 창조자의 손을 이끌지 않습니다.

로마의 성 베드로 대성당은 르네상스 건축의 웅장한 예입니다. 최고의 건축가, 조각가, 이탈리아 예술가들이 참여했습니다. 건축은 오래 지속되었지만 이제는 도시의 실제 장식 인 가톨릭 교회의 주요 교회입니다. 골동품 조각은 대성당의 정면에 놓여 있으며 바티칸의 상징-돔은 미켈란젤로 자신이 디자인했습니다. 요즘에는 로마를 감상 할 수있는 전망대가 있습니다.

주거용 건물도 자체 특성을 얻었습니다. 예를 들어, 처마 장식이 나타 났으며 건축 세부 사항, 창문이 집의 각 층에 반복되었습니다. 정문은 특별한 방법으로 지정되었습니다 : 발코니 또는 녹.

대성당 건설을위한 재료가 고대 건물에서 가져온 것이 흥미 롭습니다.이 건물은 르네상스의 긴급한 문제를 해결하기 위해 고대의 업적을 적응시키는 것을 다시 한 번 확인합니다.

극장

중세의 족쇄로부터의 해방은 극장의 발전에 반영되었습니다. 이전에 교회에 의해 거부 된 고대의 이교도 이상은 현재 적극적으로 연구되고 있으며, 어둠에서 일어나 수요가되었습니다. 처음에 그들은 고대의 드라마를 재현하고 이미지를 복원했지만 시간이 지남에 따라 극장은 여전히 ​​새로운 형태를 취했습니다. 르네상스 "과학 코미디"와 인기있는 "코메 델 델 아르테"두 가지 방향이 생겼습니다.

이 영역의 특이성은 무엇입니까?

1. "과학 코미디" 골동품 코미디와 직접 관련 : 행위로의 분열은 남아 있었고, 종의 적극적인 역할은 남아있었습니다. 이러한 작품은 인기가 많았으며 "과학 코미디"의 가장 좋은 예는 Nicolo Machiavelli "Mandrake"와 "Calender"의 연극입니다. 골동품과 달리 절정에 도달하지 않은 비극이있었습니다.
2. "코메디 델 아르테" "과학 코미디"의 요소들을 부분적으로 흡수했지만, 동시에 그 안에는 화려 함과 패러디가있는 곳이있었습니다. 배우에게 "마스크"가 할당되어 특정 유형의 영웅을 의미했습니다 (예를 들어, 배우가 Pantalone의 마스크로 나온 경우 청중은 그들이 평균 노인이라는 것을 이해했습니다). 가면은 결코 변하지 않은 경력의 시작에 배우에 의해 선택되었습니다. 복제본은 사전에 등록되지 않았으므로 배우는 일반적인 시나리오 만 알아야했습니다. 그의 역할의 세부 사항을 알고 공연자는 즉흥적으로 다양한 트릭을 수행했습니다. 애인을 연기 한 신사들만이 즉흥 연주를 거부했지만 의상도 달랐습니다. 이러한 공연의 인기도 압도적이지만 17 세기에는 점차 쇠퇴하게되었습니다.

르네상스 시대에는 예술이 크게 발전했지만 극장은 예술이나 건축으로 발전하지 않았습니다. 그러나 르네상스 시대에 극장에서 일어난 변화는 결국 셰익스피어와 같은 주인의 활동을 일으켰습니다.

음악

르네상스의 모든 제작자와 마찬가지로 음악가도 고대 문화에 대한 지식 연구에 참여했습니다. "어두운 시간"에서 잃어버린 미묘함을 찾기 위해 음악의 완성도는 새로운 시대의 작곡가의 목표입니다. “작곡가”의 개별 스타일과 개념은 창의성의 익명 성 폐지로 인해 형성됩니다. 르네상스에 등장하는 인물이 텍스트와 숭고한 음악과 결합하여 새로운 분위기를 조성합니다. 그렇습니다. 교회 음악은 계속 존재하며 여전히 많은 성가대와 오르간에 의존합니다. 그러나 팬들이 집에서 류트 또는 하프시 코드를 연주하기 때문에 세속적 인 음악이 발달합니다. 보편적 인 창의적 요소는 무용 기술의 발전으로 이어 지므로 무용 멜로디가 나타납니다.

르네상스 시대에는 수많은 도구가 크게 확장되었습니다. 새로운 음악 장르가 등장합니다 : 솔로 노래, 오페라는 다음 세기에 최고점에 도달합니다.

주요 담당자

르네상스 세계는 매우 다재다능했습니다. 이때 자연 과학, 지리, 천문학, 역학, 예술, 건축, 과학의 발전이있었습니다. 인쇄의 발명은 사람들에게 교육을받을 수있는 기회를 제공하므로 인생의 중요한 부분이됩니다. 르네상스에서의 교육은 사람이 교육 받고, 문화적이며, 연설을하고, 다른 사람들의 마음에 영향을 줄 수있는 것으로 나타났습니다. 따라서 르네상스 인물은 종종 일류 예술가 일뿐 만 아니라 발명가, 예를 들어 Leonardo da Vinci였습니다.

우리는 예술에서 건축에 이르기까지 다양한 분야에서 르네상스의 주요 대표자들을 알게 될 것입니다.

화가

유럽 ​​회화의 주요 특징을 500 년 동안 고정하면서 즉시 여러 예술가가 동시에 창조되었습니다. 이것은 사실적인 이미지, 원근법, 인류 중심, 인물 및 풍경입니다. 그러나 시각 예술의 변화를 결정한 최초의 마스터가 없었다면 이런 일은 없었을 것입니다.

그러한 주인은 프로토 르네상스 시대에 일했던 Giotto였습니다. 그 앞에는 비잔틴 대포에 따라 만들어진 아이콘과 프레스코가 있습니다. 평면 이미지, 배경 부족, 얼어 붙은 얼굴. 그러나 지오토 (Giotto)가 등장했고, 첫 번째 감정을 가진 방대한 간결한 인물이 벽화에 묘사되기 시작했습니다. 갈망, 언어, 놀라움뿐만 아니라. 그의 실험은 대중들 사이에 진정한 집을 만들었고 사람들은 먼 곳에서 왔으며 도보로 몇 킬로미터를 극복하여 전례없는 것을 보았습니다.

또 다른 선구자는 Masaccio입니다. 그는 처음에는 선형 원근법을 만들기 시작하여 이미지를 현실에 가깝게 만듭니다. 그는 해부학을 알고 있었지만 몸이 지오토보다 몸에 비례하기 때문에 그러나 신체조차도 표현력을 얻었으므로 고통은 단지 생리학뿐만 아니라 영웅의 포즈에있을 수 있습니다. 당연히이 모든 혁신은 르네상스 시대의 화가들이 가져 왔습니다.

위대한 이탈리아 예술가 : 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘, 티티 안-르네상스의 가장 번영 한 인물. 라파엘은 관능적 인 이미지를 만들어 신중하게 그림의 구성을 만들었습니다. 티티 안은 색, 구성, 기술을 실험했다. 미켈란젤로는 발달 된 강한 몸을 묘사하여 르네상스 사람의 이미지를 만들었습니다. 레오나르도 다빈치 (Leonardo da Vinci)는 캔버스에 살아있는 이미지를 만들었을뿐만 아니라 역학, 해부학, 문학 및 철학을 연구했습니다. 그것은 르네상스의 의인화라고합니다.

르네상스 예술가의 그림은 여전히 ​​미술의 정점으로 간주됩니다. 모든 교육을받은 사람은이 천재의 이름을 알고 있으며 창작물을보고자합니다.

작가

“신성 코미디”의 단테 알리기에 리가 여전히 종교적 가르침을 언급한다면 르네상스 작가들은 인간을 자연의 가장 높은 창조물로 묘사하여 노예 제출을 거부합니다. 보카치오 (Boccaccio)는 단편 소설“데카메론 (Decameron)”에서 편견을 조롱하며 육체적 쾌락과 인생을 확인하는 유머에 대해 직접 말하면서 인생을 더 밝고 쉽게 만듭니다.

세바스찬 브란트가 시적 풍자에서 인간의 악을 비난했다.바보의 배”, 나쁜 매너, 질투 및 기타 나쁜 특성은 어리 석음에서 비롯됩니다. 인간 본성을 연구하는 광범위한 철학적 작품, 예를 들어 "경험담로테르담의 에라스무스 (Erasmus)의 Michel Montaigne과 넌센스의 칭찬. 물론 그들의 철학적 개념, 견해는 과학자, 예술가, 예를 들어 Giordano Bruno, Leonardo da Vinci에 의해 설명되었습니다.

극장의 발전은 드라마의 진화로 이어 지므로 Lope de Vega 및 Tirso de Molina와 같은 작가가 등장합니다. 이 작가들의 연극은 여전히 ​​방 전체를 모으고 고전 극장의 레퍼토리이며 주제의 관련성과 언어의 풍부함으로 관객을 놀라게합니다. 르네상스 드라마의 업적은 재능을 완전히 드러 낼 수있는 기회를 제공합니다 셰익스피어예를 들어, 르네상스 사상가들의 지식을 흡수 한 미셸 몽테뉴.

시인

르네상스 시인 프란체스코 페트리 아 (Francosco Petrarch)는 이렇게 말합니다.

새로운 유럽 가사의 창시자가 된 사람은 소네트에서 순결과 갈망, 열정과 순결의 조화로운 조화를 창조했습니다. 푸쉬킨은 르네상스 시인이 남자와 여자 사이의 감정에 대해 생생하게 영감을 주었기 때문에“페트라 치의 언어”와 사랑의 언어 자체를 확인했다. 그의 작품에 대해 더 썼습니다 여기.

이탈리아에는 Ludovico Ariosto (시 "Frantic Roland"의 저자), Torquato Tasso, Jacopo Sannadzoro 등 더 재능있는 시인이 등장합니다. 프랑스에서 그 시대의 위대한 시인은 Pierre de Ronsard였습니다. 그의 작품 분석. 그는시의 다양한 시적 차원, 운율과 음절의 조화를 시로 소개했기 때문에 "시의 왕자"로 여겨졌다. 영국에서 가장 큰시의 대표자는 Jeffrey Chaucer와 Edmund Spencer였습니다. 사실, Jeffrey Chaucer는 르네상스를 예상하고 "영어시의 아버지"가되었습니다. 그리고 에드먼드 스펜서는 영어 구절을 멜로디에게 주었고 "영국의 시인"이었습니다. 르네상스의 시인들은 존경을 받아 단어의 위대한 주인으로 여겨졌으며 여전히이 제목을 유지합니다.

작곡가

이탈리아에서 영향력있는 작곡가 학교는 로마 (Giovanni Palestrina)와 베네치아 (Andrea Gabrieli)로 발전했습니다. Palestrina는 가톨릭 신성한 음악의 모델을 만들었고 Gabrieli는 합창단을 다른 악기의 소리와 결합하여 세속적 인 음악에 접근했습니다.

영국에서는 작곡가 John Dubstayl과 William Byrd가 여러 세기에 걸쳐 창조되었습니다. 석사는 신성한 음악을 선호했습니다. William Byrd는 "Pioneer of Music"이라는 제목을 받았습니다.

재능있는 작곡가 올랜도 라소는 어린 시절부터 음악적 능력을 보여주었습니다. 그의 세속적 인 음악은 뮌헨이 유럽의 음악 중심이되었으며 요한에 카드, 레너드 레크 너, 가브리엘리 등 다른 재능있는 음악가들이 공부하게 된 계기가되었다.

물론 르네상스 작곡가는 전통적 방향뿐만 아니라 악기 음악도 개발하여 사용되는 악기 (현악기, 클라비어 등)의 범위를 확장했습니다. 르네상스 뮤지션들의 활동은 미래에 오페라가 등장 할 가능성을 창출하여 소리와 멜로디 예술에 계획적이고 생산적인 개발을 제공했습니다.

건축가

르네상스의 "건축의 아버지"를 Filippo Brunelleschi라고합니다. 그는 많은 예술 작품을 만들었으며 그 중 하나는 San Lorenzo의 교회입니다. 초기 르네상스의 또 다른 대표 인 건축가 Alberti는 피렌체에 Rucellai Palace를지었습니다. 브루넬레스키와는 달리, 랜싯을 사용하지 않았고 각 층마다 개별 주문을 사용했습니다. 르네상스 시대의 주요 건축물은 도나 토 안젤로 브라만테였습니다. 그는 로마에있는 성 베드로 대성당의 첫 번째 건축가였으며 그의 계획을 세웠습니다.

그러나 르네상스의 주인에 대해 주목할만한 점은 많은 사람들이 서로의 프로젝트를 완료하고 완료했다는 사실입니다. 그래서 미켈란젤로에 의해 성 베드로 대성당의 건축이 계속되었고, 그의 사망 후 다른 건축가가 프로젝트를 인수했습니다. 다른시기에 12 명의 건축가가 주요 가톨릭 교회 건설에 참여한 것으로 밝혀졌습니다.

또 다른 예는 미켈란젤로가 만든 브루넬레스키가 지은 산 로렌조 교회의 내부 장식입니다. 다른 국가에서는 이탈리아 르네상스 건축 양식이 널리 퍼져 있지만 지역 건축 전통이 도입되었습니다. 또한 건축 실험은 바로크와 로코코와 같은 스타일로 이어집니다.

결론

이 기사가 르네상스에 익숙해 지도록 도움을 주었 거나이 분야 또는 그 문화 분야를 더 자세히 연구하도록 격려하기를 바랍니다. 사실, 지식에 대한 르네상스 천재의 강한 욕구 덕분에 큰 발견이 이루어졌고 편견의 엄격한 틀이 파괴되었습니다.

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